Filmy muzyczne przeżywają swój moment – ​​jeśli w ogóle przestali go mieć. Weźmy film biograficzny o muzyce pop. Są chwile, tak jak teraz, kiedy popularność zyskuje na popularności, a mimo to forma nigdy nie wychodzi z mody. Dokumenty muzyczne, będące podstawą świata kina niezależnego, rozprzestrzeniły się dopiero w erze streamingu. Oznacza to, że muszą konkurować o widoczność, ale mnóstwo z nich zostaje tworzonych i (przeważnie) zostaje zauważonych. Stały się szczęśliwą epidemią.

Niektóre z nich, jak „Amy” czy „The Bee Gees: Jak naprawić złamane serce?”, cieszą się na tyle popularnością i popularnością, że zajęły miejsce w kulturze – a w przypadku obu tych filmów zainspirowało powstanie filmu biograficznego (nadchodzący dramat Amy Winehouse „Back to Black” oraz film Bee Gees, który Ridley Scott ma teraz wyreżyserować). Z dobrego źródła wiem, że kiedy próbujesz stworzyć film dokumentalny o muzyce, perspektywa powstania filmu biograficznego może być kluczowym czynnikiem sprzedaży.

Jednak fakt, że tak wiele dokumentów muzycznych to filmy niszowe, jest w istocie zaletą. Bo naprawdę, jak mogłoby być inaczej? Rzadkie tematy, takie jak Beatlesi, są uniwersalne (lub wystarczająco bliskie), ale tak nie jest wszyscy chce poszukać filmu dokumentalnego o Sparks („The Sparks Brothers”) lub ZZ Top („ZZ Top: That Little Ol’ Band From Texas”), Go-Go („The Go-Go”) lub Blood, Sweat & Łzy („Co do cholery stało się z krwią, potem i łzami?”) czy Gordon Lightfoot („Gordon Lightfoot: If You Could Read Me Mind”) czy Sinéad O’Connor („Nothing Compares”) czy David Bowie („Moonage Daydream”) ”) lub Tiny Tim („Tiny Tim: Król na jeden dzień”) lub Grateful Dead („Długa dziwna podróż”) lub Nina Simone („Co się stało, panno Simone?”) czy Velvet Underground („The Velvet Underground” ) lub Mad Dogs & Englishmen („Nauka wspólnego życia: Powrót wściekłych psów i Anglików”), Frank Zappa („Zappa”) czy Milli Vanilli („Milli Vanilli”). Jednak każdy z tych filmów znalazł entuzjastyczną publiczność.

A hitów wciąż przybywa, a najnowszym z nich jest dokument Devo, który wyemitowano kilka miesięcy temu na festiwalu w Sundance (i prawdopodobnie ukaże się w tym roku). Jeśli jesteś fanem muzyki, dokument o ulubionym artyście może, gdy się pojawi, wydawać się czymś dziwnie nieuniknionym. Nie można już sobie wyobrazić świata bez niego. Jednak te filmy mogą być trudne do oderwania się od ziemi. Kwestia praw do muzyki jest bardzo poważna, co oznacza, że ​​artyści, jeśli jeszcze żyją, muszą współpracować, a majątki trzeba ułagodzić.

Zadziwiające jest uwzględnienie wszystkich najważniejszych, a w wielu przypadkach ponadprzeciętnych artystów muzycznych, o których nigdy nie nakręcono filmu dokumentalnego. To samo dotyczy biografii muzycznych — w tym roku, bazując na sukcesach „Bohemian Rhapsody”, „Rocketman” i „Bob Marley: One Love”, można wyczuć obsesję na punkcie tej formy, która osiąga nowy szczyt, gdy jesteśmy gotowi wzięliśmy udział w pierwszym dramatycznym omówieniu życia Boba Dylana („A Complete Unknown” z Timothée Chalametem w roli głównej) i czterech biografiach Beatlesów, których realizację zapowiedział Sam Mendes. Dylan i Fab Four: Nie ma nic wspanialszego. (Miejmy nadzieję, że filmy odpowiadają swoim tematom.) I bawię się równie dobrze, jak każdy, kto wyobraża sobie biografie o muzyce pop, które chciałbym zobaczyć, lub wdaje się w salonową grę polegającą na obsadzaniu ich.

Jednak w tej chwili jestem wystarczająco podekscytowany muzycznymi dokumentami, które widziałem w zeszłym roku – takimi jak „Little Richard: I Am Everything” i niedawno wydany „In Restless Dreams: The Music of Paul Simon” – przywiązywać się do tej formy. Zakres możliwości dla dokumentów muzycznych, które jeszcze nie powstały, jest oszałamiający. Mam też osobiste podejście do tego tematu, a mianowicie, że nie mam zbyt modnych gustów muzycznych. Z reguły (choć nie zawsze) skłaniam się ku ekstazie popu, a to oznacza, że ​​są artyści, o których chętnie zobaczyłbym film, a którzy nie przekraczają poprzeczki cool. Uwzględniłem je w poniższej liście. Więc kpij ze mnie, ile chcesz, ale fajne czy nie, oto moja lista 10 filmów dokumentalnych o muzyce pop, które najbardziej chciałbym zobaczyć. Dla orientacji nadałem im tytuły.

„Midnight Cruisers: historia Steely’ego Dana”. Pierwszą rzeczą, którą zawsze mówi się o Steely Dan, jest zakodowana wywrotowa jakość ich tekstów. Pierwszą rzeczą, która powinien można o nich powiedzieć tyle, że ich muzyka, piosenka za piosenką, album za albumem, rzadko jest mniej niż żarząca. Waltera Beckera nie ma już z nami, ale Donald Fagen byłby wystarczającym przewodnikiem, pokazującym, jak Steely Dan tworzył swoje niezwykłe albumy i jak bardzo żyli (lub nie) historiami, które opowiadają te piosenki.

„Patti Smith”. To najwyższa kapłanka punka, posiadająca jeden z najbardziej poruszających głosów – zawodzenie zachwytu – w historii rocka. Jednak pomimo całego ponownego odkrywania artystek, które miało miejsce, istnieje pokolenie, które wciąż musi zobaczyć, usłyszeć i doświadczyć poszarpanej chwały jej sagi.

„Nie mogę tego wyrzucić z głowy: ELO i efekt strunowy”. Jako piosenkarz Jeff Lynne miał obsesję na punkcie brzmienia jak John Lennon. Jako kompozytor, aranżer, producent i mózg Electric Light Orchestra, dzięki piosenkom takim jak „Evil Woman”, „Nightrider” i „Livin’ Thing” budował w powietrzu dźwiękowe zamki – a fakt, że można było usłyszeć nakładanie się na siebie był częścią magii. ELO zasługuje na film dokumentujący popowo-symfoniczne schody do nieba.

„Szyk i rewolucja disco”. Zmienili muzykę i zmienili świat, podnosząc puls disco do przenikliwej formy sztuki wykorzystującej siłę życiową. (Ludzie zachowują się tak, jakby dyskoteka była po prostu fenomenem swoich czasów. Przepraszam? Posłuchajcie „Dance the Night”, „Blinding Light” The Weeknda czy czegokolwiek innego Lady Gagi.) I stworzyli wizerunek ekskluzywnej czarnej elegancji, która to było coś więcej niż aspiracja – to było marzenie, które stało się rzeczywistością. Mimo że Nile Rodgers stał się jednym z najbardziej znanych producentów swoich czasów, to, co on i jego partner, nieżyjący już Bernard Edwards, stworzyli w Chic, to rozdział w historii muzyki, którego monumentalny przebieg nie został jeszcze ostatecznie opowiedziany.

„Ten facet jest w tobie zakochany: historia Burta Bacharacha”. Był największym romantycznym autorem tekstów swoich czasów. Bardzo chciałbym zobaczyć film przedstawiający sposób, w jaki pisał te piosenki, taki, który uchwyciłby jego osobowość gwiazdy i mówił o tym, co naprawdę oznaczał romantyzm, który wcielił i dlaczego wyszedł z mody.

„Otis Redding: spróbuj trochę czułości”. Kiedy zmarł, miał zaledwie 26 lat. Jednak powodem, dla którego był największym męskim piosenkarzem soulowym lat 60., była głębia doświadczenia w jego głosie – wydawał się jednocześnie młody i stary, pełen podskórnej radości, a jednocześnie dialogujący z bólem, który przekraczał w każdym wersie. Po wyjściu ze studia żył w wielkim stylu, niczym legenda, którą już był. Jednak z powodu tragicznej śmierci w katastrofie lotniczej w 1967 roku Otis Redding pozostaje do dziś zbyt wielką tajemnicą.

„Kiedyś kochałem: historia Blondie”. Myślę, że „Parallel Lines” to drugi największy album lat 70-tych. (Spójrz poniżej i bardzo się obawiaj mojego wyboru nr 1.) Tak, Blondie była the zespół będący crossoverem nowej fali, a stało się tak dlatego, że ich piosenki były transcendentne. Śpiew Deborah Harry był bezpośredni, ekstatyczny i operowy; mogła krzyczeć i mogła wzbić się w powietrze. A w swoich walkach i ewolucji zespół był opowieścią samą w sobie.

„Duran Duran w filmie”. Być może byli kwintesencją zespołu lat 80., dlatego możesz mieć mieszane uczucia co do ich sprytnie zapakowanego i napędowego brzmienia. Jednak oddanie, jakie wzbudzili i nadal wzbudzają, czyni ich godnym tematem dla filmu, który wspomina czasy, gdy Simon Le Bon, promieniujący charyzmą preppie złoczyńcy z filmu Johna Hughesa, mógł stać się awatarem nastoletniego popu.

„Nadal doktor Dre.” Połączenie hip-hopu z najbardziej wpływową formą muzyki głównego nurtu swoich czasów to saga o oszałamiającej fascynacji i mocy. Dre, bardziej niż jakakolwiek inna postać, był geniuszem stojącym za tą transformacją. Był niezrównaną siłą w kształtowaniu dźwięk rapu, zwiększając jego złożoność i doskonaląc (i promując) jego etos niebezpieczeństwa. Zasługuje na film, który zabierze nas za wszystkie te sceny, także te skandaliczne.

„Mam nadzieję, że znajdziesz swój raj: Supertramp w Ameryce”. Przepraszam bogów szacunku i uważam, że album Supertrampa „Breakfast in America” z 1979 r. jest największą pojedynczą płytą lat 70. Myślę też, że to najwspanialszy album Beatlesów, jakiego Beatlesi nigdy nie nagrali. Podobają mi się także wczesne nagrania Supertramp (i ich piosenka „It’s Raining Again” z 1982 r.), ale chciałbym zobaczyć cały dokument o zespole skupiający się na tworzeniu „Breakfast in America” – bujności, popowej wzniosłości – i stało się ponadczasowym fenomenem fanów.

Najlepsze z różnorodności

Zapisz się na newsletter Variety. Aby uzyskać najświeższe informacje, śledź nas na Facebooku, Twitterze i Instagramie.