Reżyser „Deerskin” Quentin Dupieux rozpoczyna festiwal metatekstualną zabawą, w której czterech francuskich aktorów sprzecza się o to, dlaczego zgodzili się nakręcić tak stereotypowy film.

We Francji pojęcie ironii określa się jako „deuxième degré” (drugi stopień), gdzie „premier degré” to znaczenie dosłowne lub powierzchowne, które może zostać przekręcone, gdy widzowie odczytają z materiału zupełnie inne, często sprzeczne znaczenie . Ale gra niekoniecznie się na tym kończy. Jest też „troisième degré”, „quatrième degré” i tak dalej, tak głęboko, jak chcesz.

Dla absurdalnego oszusta Quentina Dupieux (którego filmy „Skóra jelenia” i „Guma” zyskały kultową popularność) „Akt drugi” przedstawia frywolne lustro wesołego miasteczka, w którym grają aktorzy Léa Seydoux, Louis Garrel, Vincent Lindon i Raphaël Quenard aktorzy grający aktorów w bezsensownej komedii romantycznej. Wszyscy wiedzą, że robią zły film i jeden po drugim przerywają zdjęcia, aby wyrazić swoje osobiste żale. Ale to dopiero początek smukłego metatekstowego doodla wybranego na rozpoczęcie Festiwalu Filmowego w Cannes w 2024 roku.

Kiedy dzieje się coś pozornie zaplanowanego, reżyser nazywa „cięcie”, po czym wszyscy łamią charakter i zaczynają krytykować codzienne zdjęcia. Jedna z gwiazd uderza w drugą. Dwóch członków obsady odchodzi trzymając się za ręce. Czy są to w tym momencie Léa Seydoux, Louis Garrel, Vincent Lindon i Raphaël Quenard? Nie, nadal odgrywają rolę teatralną, a jednak połowa żartu polega na tym, że kwartet francuskich gwiazd z najwyższej półki zgodził się w ten sposób łaskotać swoje własne wizerunki (na przykład zgadnij, który z nich odgrywa rolę geja).

W pewnym momencie, operując co najmniej czwartym stopniem, Seydoux deklaruje: „Rzeczywistość jest rzeczywistością. Okres.” Dupieux bawi się samoświadomymi urządzeniami od co najmniej dekady, kiedy jego film „Rzeczywistość” trafił na Festiwal Filmowy w Wenecji. Nienawidziłem tego filmu – agresywnie nieśmiesznego połączenia skeczy, w którym Alain Chabat grał początkującego filmowca poszukującego idealnego jęku – chociaż sprzeczny francuski magazyn kulturalny Les Inrockuptibles uznał go za najlepszy Dupieux. Ty mówisz pomidor, ja mówię zgniłe.

Mimo to Dupieux zaintrygował mnie na tyle, że dotrzymuję kroku jego specyficznemu rodzajowi surrealizmu (filmy trwają zazwyczaj od 70 do 80 minut), a jego umiejętności stają się coraz lepsze wraz z praktyką. Albo też, poprzez wielokrotną ekspozycję, odkryliśmy, co dziwnego robi i przystosowaliśmy się, by to docenić. Tak czy inaczej, dzieło płodnego reżysera z 2023 r. „Daaaali!” i „Yannick” byli znakomitymi satyrami artystycznymi, ustanawiając rodzaj metasztyka, którym się tutaj bawi.

„Yannick” koncentruje się wokół robotnika, który przerywa nudne „bulwarowe” przedstawienie, za którego udział mu płacą, nakazując aktorom (na muszce), aby uczynić go bardziej interesującym. Albo, jak postuluje Edouard Baer (jeden z sześciu aktorów obsadzonych przez Dupieux w roli Salvadora Dalí w „Daaaaaali!”), „Nikt nie jest aktorem. To zawód, którego nie ma. „Aktor” to totalny wynalazek.” Malarz surrealista narzeka dalej na „nieznośną” i „przerażającą banalność” kręconego przez siebie filmu w filmie.

Czy Dupieux nudzi się filmami? Najwyraźniej nie, bo inaczej nie pisałby ich dalej, ale wydaje się, że zdaje sobie sprawę (bardziej niż większość), że widzowie przyzwyczaili się do kodów i stereotypów, więc stara się je obalić, użyć konwencji przeciwko sobie, jednocześnie poddając się zadziorów na temat współczesnego stanu kina. Jeśli film, który robią, brzmi kiepsko, dlaczego nie zasugerować, że jest to pierwszy film, który został napisany i wyreżyserowany w całości przez sztuczną inteligencję?

Improwizując dialogi do długiej sceny spaceru i rozmowy, w której David (Garrel) prosi Willy’ego (Quenard), aby uwiódł jego przylegającą dziewczynę Florence (Seydoux), aktorzy opowiadają o poprawności politycznej, „anulowaniu kultury” i tożsamości trans. „Nie możesz tak mówić!” David nagle przerywa Willy’emu. „Jesteśmy filmowani”. Ładne, z wyjątkiem tego, że angielskie napisy złagodziły dialog (słowo „travelo” nie oznacza „trans”, chociaż wrażliwość wymazała jego odpowiednik z angielskiego użycia).

Słowa Willy’ego mają być obraźliwe (jak wyraźnie wyjaśnia David/Garrel), a dla kinomanów pouczające może być obserwowanie, kto wokół nich się śmieje i na jakim „poziomie”. Zapłata trzeciego stopnia za tę wymianę następuje prawie godzinę później w filmie. W międzyczasie bohaterowie nieustannie się kłócą, jak wtedy, gdy Guillaume (Lindon) wyskakuje ze swojej pierwszej sceny, narzekając, że stracił wiarę w umierającą formę sztuki… dopóki nie zadzwoni jego agent i nie powie, że dostał obsadę w kolejnym filmie Paula Thomasa Andersona.

Problem z ironią na każdym poziomie polega na tym, że prawie nie można ocenić szczerości. Wynikająca z tego dwuznaczność służy jako kamień węgielny humoru zoomera, w którym pojęcia metaironii i postironii tak całkowicie zaciemniają intencje autora, że ​​widzowie mogą zinterpretować materiał tak, jak im się podoba. Niektórzy czują się urażeni, inni postrzegają te zbyt daleko idące elementy jako celowe obalenie niepokojących koncepcji. Niestety, Dupieux nie posuwa się za daleko. Jeśli już, to mu się nie uda i utknie w nieskończonej pętli własnego sprytu.

Niestety, przełamanie czwartej ściany nie jest niczym nowym. Oliver Hardy robił to nieustannie, a Olsen i Johnson wznieśli to na nowy poziom w „Hellzapoppin’” z 1941 roku. Tymczasem w przypadku „Aktu drugiego” zdumiewające jest, ile czasu potrzeba, aby strategia wywołała śmiech. Przełom następuje, gdy statysta grający barmana w Drugim Akcie (przydrożnym pubie, w którym rozgrywa się większość filmu) nerwowo podchodzi do stołu z butelką wina. Żarty działają najlepiej, gdy zaskakują, więc wystarczy powiedzieć, że Dupieux doi je przez dobre 20 minut.

Co dziwne, biorąc pod uwagę krótki czas trwania filmu, praktycznie każda scena pozostaje mile widziana, łącznie z skądinąd sprytnym ujęciem końcowym — inspirującą końcową interpunkcją, rozciągniętą jak wszystkie te „a” w „Daaaaaali!” Strategia Dupieux wydaje się polegać na odwracaniu lub powtarzaniu pewnych puent dla uzyskania świeżego efektu, co jest w porządku przez jakiś czas, dopóki nie zorientujesz się, że ani „Akt drugi”, ani te lektury drugiego stopnia nie mają wiele do powiedzenia.