Rebel Moon, część druga: Recenzja Scargiver
Rebel Moon Part Two: The Scargiver jest teraz dostępny w serwisie Netflix
Twórca Rebel Moon, Zach Snyder, okrzyknął Część pierwszą: Dziecko ognia ekscytującym nowym początkiem przebojowej areny science-fiction. Przechwalał się dwuczęściową historią, która miała rozpocząć rozszerzoną ekranową eksplorację tętniącej życiem galaktyki rządzonej przez militarystyczny reżim z obdartą grupą wojowników, wyrzutków i bojowników ruchu oporu walczących o jej zniszczenie. Jednak po dwóch godzinach i 15 minutach w odświeżonej wersji uniwersum Gwiezdnych Wojen autorstwa Snydera, Część Pierwsza okazała się niezadowalającym, niedopracowanym filmem akcji, złożonym z elementów znacznie bardziej inspirowanych gatunkiem. Nic więc dziwnego, że Rebel Moon Part Two: Końcowy rozdział The Scargiver (który pojawił się zaledwie cztery miesiące później) oferuje jedynie niewielką poprawę dzięki prostszej historii i znacznie bardziej kuszącej kulminacyjnej bitwie, ale dodatkowo dwie godziny tych samych płytkich postaci i fabuły.
Fabuła „The Scargiver”, ledwie wybiegająca poza linie inspiracji, przypomina spotkanie Siedmiu Samurajów/Siedmiu Wspaniałych z Powrotem Jedi, a załoga wojowników powraca na księżyc Veldt, aby chronić mieszkańców wioski przed armią Imperium, która wciąż pragnie ukraść ich kosmiczne ziarno. Mają tykający zegar odliczający czas do chwili, gdy w ich atmosferze pojawi się pancernik Imperium, a biorąc pod uwagę tę presję czasu, szczególnie absurdalne jest to, że Snyder spędza nieuzasadnioną ilość czasu, pokazując wieśniaków i wojowników zbierających ziemię. Jest tyle żniw, młócenia, przewiewania i rozbłysków obiektywu w zwolnionym tempie, że można się spodziewać, że lektor mechanicznego rycerza Anthony’ego Hopkinsa, James, zaprezentuje inspirowany cytatem Lao Tzu: „Daj człowiekowi worek zboża i nakarmisz go na jeden dzień. Naucz go zbierać plony, a nakarmisz go na całe życie. Nawiasem mówiąc, sztuczka Jamesa polegająca na przekształceniu robota w natywną wersję jest całkowicie myląca i wnosi niewielką wartość do historii, z wyjątkiem późnego wejścia zespołu tagów do walki.
Jeśli te wczesne sceny wydają się wypełniaczem, to dlatego, że obfitość retrospekcji jest letargiczną próbą przedstawienia historii i wglądu w postacie, co utrudnia tempo i rzadko pogłębia którąkolwiek z relacji. Weź zrzut ekranu z wczesnej ekspozycji po stosunku płciowym od Kory (Sofia Boutella). Leżąc w ramionach kochanka rolnika Gunnara (Michiel Huisman), wyjawia rolę, jaką odegrała podczas zabójstwa rodziny królewskiej. To dość zabawne słyszeć wściekle grający kwartet smyczkowy, podczas gdy na ekranie ma miejsce brutalne morderstwo, ale w przeciwnym razie jest to przewidywalna scena, która opiera się na lektorze, który mówi nam o zagrożeniu dla machiny wojennej Imperium, a nie przekazuje to poprzez naturalny dialog między postacie. Jej adoptowany tata rzuca również przewracające oczami słowa pod adresem Kory, nazywając ją „rakiem nieczystości etnicznej” ze względu na jej ciemniejszy odcień skóry. Jest rok 2024, a pisarze nadal leniwie kopiują i wklejają współczesne uprzedzenia rasowe na postacie science fiction żyjące w różnorodnej galaktyce gatunków i kosmitów, których akcja rozgrywa się tysiące lat w przyszłości, bez jakiejkolwiek wyobraźni. Gdzieś Carl Sagan przewraca się w grobie.
Podobne uczucie w nosie pojawia się podczas wymyślonej sesji terapii grupowej zainicjowanej przez byłego generała Imperium Titusa (Djimon Honsou). Podobnie jak na spotkaniu Anonimowych Wojowników, każdy wojownik w serii monologów potwierdza, że ich życie i/lub światy rodzinne zostały zrujnowane przez barbarzyński podbój Świata Matki. Trzeba przyznać, że Honsou i Doona Bae potrafią nadać swoim występom głębię i emocjonalność, co nieco podnosi niezgrabną narrację.
Te monologi z retrospekcjami przenoszą nas także na steampunkowo-industrialną planetę Conana, szlachcica Taraka (Staz Nair), co stanowi miłą odmianę od typowych, inspirowanych etnicznie krajobrazów, które widzieliśmy do tej pory, ale te sceny rodzą frustrujące pytania dlaczego pewne szczegóły postaci nie zostały napomknięte ani wplecione w historię rozgrywającą się w teraźniejszości. Fakt, że w cyborgowskich rękach mistrza miecza Bae, Nemezisa, tkwi przodkowa żądza krwi, wydaje się dość drastycznym elementem, który mógł uczynić jej wojownika bardziej intrygującym i wielowymiarowym niż ona sama, gdy podąża banalną podróżą pogrążonej w żałobie matki, która zaczyna się i kończy się na dzieciach.
Podobnie jak w Child of Fire, Admirał Atticus Noble w stylu Dartha Vadera Eda Skreina jest najchętniej oglądanym elementem The Scargiver. Wnosi do postępowania kampową groźbę, nawet jeśli jego powrót z martwych na wzór Chrystusa jest dość śmieszny. Nie można się domyślić, do czego mają służyć przymocowane do jego ciała lampy przypominające Matrix, aby przywrócić mu ciało po upadku; w rzeczywistości jest to równie bezsensowne, jak przydomek Kory „Scargiver”. Mimo że taki jest tytuł tej kontynuacji, nie ma w nim żadnego wyjaśnienia.
Przynajmniej tym razem mamy zakończenie bardziej ekscytującym starciem pomiędzy Skreinem i Boutellą na drednocie, z łatwością pokonując poprzeczkę ustawioną przez pozbawione entuzjazmu sceny bitewne na ziemi. Większość stresujących zmagań toczy się, gdy postacie spadają swobodnie na ogniste, chromatyczne tło makabrycznej maszynerii, a każda gwiazda akcji liczy się przy każdym trafieniu. Jest kilka atrakcyjnych winiet bitewnych – Tytus prowadzący rebeliantów przez kamienny most z promieniami laserowymi przemykającymi w zwolnionym tempie mógłby to być plakat – jednak większość droidów, pojazdów i statków Imperium ma ziarnistą, dwuwymiarową jakość. Estetyczne budowanie świata zyskałoby na bardziej dynamicznych i oryginalnych pomysłach niż zwykłe riffowanie na wizualizacjach, które są dobrze przyjęte w kanonie science-fiction.
